Selección de Adriana Kuri Alamillo
Creando lo contemporáneo

“Artesanal es una palabra amplia y resbaladiza” 1 y por lo tanto con muchas asociaciones. Al emplearla, se designa un tipo de objeto, un material o una relación histórica y con frecuencia alude a lo hecho a mano y lo doméstico. Lo artesanal es “una forma de crear que generalmente produce un objeto con una función” 2 que se ha extendido más allá de esos límites para abarcar producción artística relacionada con el arte contemporáneo tanto en conflicto como en armonía.

Históricamente, la artesanía y el arte eran vistos como parte del mismo sistema de producción, ya que antes del siglo XV, los talleres europeos medievales estaban compuestos por gremios de artesanos. Sin embargo, a principios de dicho siglo, los intelectuales florentinos comenzaron a darle mayor importancia a la creatividad individual, y varios pintores pidieron a sus clientes que les pagaran según el mérito. Estos creadores se convirtieron en artistas, mientras que a los productores que permanecieron en sus talleres colectivos se les denominó artesanos. A mediados de 1800, varios artistas comenzaron a producir obra que no se consideraba dentro de los parámetros de las artes “finas”, cuestionando los límites entre la artesanía y el arte. El Movimiento de Artes y Oficios nació para revivir y preservar las técnicas de producción artesanal, puesto que la industrialización les había otorgado un estatus inferior. Los fundadores de este movimiento surgido en Inglaterra basaron su producción en valores relacionados con el diseño y la artesanía tradicional. 3 El Movimiento de Artes y Oficios y sus preocupaciones perduraron hasta el siglo XX y se integraron con el modernismo. Los límites entre lo artesanal y el arte se volvieron cada vez más borrosos, particularmente en la Bauhaus en Alemania, donde los artistas y diseñadores integraron consistentemente las prácticas artesanales e industriales en su obra. La Bauhaus niveló la distinción entre las artes finas y las artes aplicadas al unificar las artes a través de la artesanía y su posterior enfoque en restablecer el contacto del artista con el mundo de la producción mecánica. 4

Actualmente, los artistas contemporáneos emplean lo artesanal de múltiples maneras, trascendiendo intencionalmente los límites al destacar las jerarquías históricas propias al uso de ciertos materiales y técnicas; mientras que los artesanos contemporáneos han adoptado sus propios enfoques de arte conceptual.
Lo artesanal puede referirse a tipos de objetos hechos de una gran cantidad de materiales específicos, en particular cerámica, fibra, vidrio, metal o madera. Estos materiales pueden desplegarse funcional o conceptualmente, pero de cualquier forma han sido categorizados como artesanales a lo largo de los años. La pieza Modelo para autorretrato III y representación de Mónica Castillo socava la tradición del retrato en la pintura a través del uso de fibra y crochet, deconstruyendo la jerarquía que posicionó la pintura como arte y el textil como artesanía. Las esculturas de porcelana de Hannah Wilke en Untitled (white) [Sin título (blanco)] evocan la idea de conchas, flores y genitales femeninos al mismo tiempo, valiéndose de un ícono visual feminista y un uso intencionado de material artesanal para subvertir la obsesión de sus contemporáneos masculinos con las redes y sistemas mediante los pliegues delicados y orgánicos de las obras. El uso de cartón y papel plegado, por parte de Olafur Eliasson, para crear 3D Fivefold Symmetry [Simetría quíntuple 3D] irrumpe en la formalidad de la pieza precisamente por el uso de un material simple y familiar. Al recordar el plegado tradicional de papel chino (zhenzhi), el trabajo de Eliasson reflexiona sobre cómo se produce e interpreta el espacio en el arte y la artesanía afuera de la tradición occidental.
Julia Bryan-Wilson expresa que “lo artesanal saca su fuerza de su calidad anacrónica y de sus lazos con las tradiciones, tanto por su adhesión al trabajo artesanal convencional como por sus reinvenciones más desordenadas”. 5 Esta idea de trabajar con tradición y herencia mientras se mantiene una conversación con su uso y significado en el momento contemporáneo se puede ver en la obra Crawl [Arrastrar] de Andisheh Avini. El artista emplea la marquetería tradicional iraní para explorar la dualidad de su identidad personal mediante la combinación y yuxtaposición de íconos y motivos iraníes con las tradiciones occidentales de minimalismo y abstracción. La pieza Diván de Santiago Borja documenta su intervención en el estudio y el icónico sofá de terapia de Freud. Al cubrir el sofá con textiles creados en colaboración con la comunidad wixarika (huichol), Borja crea una analogía entre la interpretación del mundo que hacen los wixarika a través de los sueños y el mapeo psicoanalítico de Freud de lo consciente y lo inconsciente. 6 A la vez, esta obra socava las jerarquías culturales occidentales que se han impuesto por muchos años. La flor de Yoshihiro Suda en Spring of Wood [Primavera de madera] está producida con la técnica japonesa de tallado en madera de netsuke, esculturas en miniatura creadas para acompañar el vestido tradicional japonés. Aunque son un homenaje a esta práctica, las piezas de Suda, ubicadas estratégicamente en las grietas y marcas de la arquitectura, tienen como objetivo cambiar la perspectiva del espectador al alentarlo a ver cosas que de otra manera ignoraría.
La artesanía y lo que la renombrada estudiante y profesora de la Bauhaus Anni Albers llamó “sensibilidad táctil” siempre se han interconectado con lo artesanal. Especialmente después de la industrialización y el auge de la producción en masa de máquinas que “nos ahorra trabajo y aburrimiento; pero también nos impide participar en la formación del material y deja inactivo nuestro sentido del tacto (…) tocamos las cosas para asegurarnos de la realidad”. 7 Gabriel Kuri, Pia Camil y Mike Kelley intencionalmente hacen, reutilizan o comisionan objetos hechos a mano. Sin embargo, la presencia de esa mano tiene un propósito diferente dentro de cada una de sus prácticas. Los cuatro gobelinos laboriosamente tejidos a mano que componen Gobelino políptico franja magenta (aeropuerto) de Gabriel Kuri resaltan los residuos de las interacciones humanas por medio de la reproducción de un recibo desechable. Producidos en un estilo tradicional de tejido de Guadalajara, por varios tejedores, los tapices de Kuri cuestionan los principios establecidos del consumismo y la temporalidad en la vida contemporánea. En Espectacular Telón Pachuca I y II, Pia Camil se apropia de vallas publicitarias y sus símbolos para fabricar cortinas de lona teñidas y cosidas a mano en un esfuerzo por desacelerar el proceso de producción cultural en masa a través de artesanías hechas a mano. Los recuerdos desechados de la infancia que encuentra Mike Kelley conservan su estética artesanal, mientras que a la vez son intervenidos de una manera que los despoja de sus asociaciones nostálgicas con la inocencia. En Untitled [Sin título], Kelley cosió dos conejitos de peluche juntos creando una criatura que podría haber salido de una pesadilla o podría representar un burlesco sexual. Su asalto a la “alta” cultura con el uso de materiales domésticos y la artesanía se burla del artista masculino prometeico.
Los materiales relacionados con lo artesanal, así como los procesos creativos que han determinado la forma en que se ha definido este concepto, conllevan una asociación con lo doméstico y, por lo tanto, con lo femenino y potencialmente decorativo. Los artistas contemporáneos utilizan y proveen relecturas de estos materiales y actividades. El papel tapiz en cinco paneles de Roy Lichtenstein titulado Wallpaper with Blue Floor Interior [Papel tapiz con interior de piso azul] representa una habitación moderna y lujosa en un medio destinado a existir precisamente sobre la pared de una habitación. Lichtenstein participa en la conversación que William Morris comenzó con sus diseños de papel tapiz como parte del Movimiento de Artes y Oficios, al forjar materialmente una conexión con el espacio doméstico y la artesanía. En Divergencias negra de María Ezcurra Lucotti, los calcetines de nylon negro y los aros de bordado le permiten revisar, exhibir y alterar las implicaciones de la feminidad. La materialidad de la escultura crea una asociación con la esfera doméstica, lo que permite a Ezcurra Lucotti exponer las relaciones entre lo que usamos para cubrir nuestros cuerpos y los significados culturales que comunican esos objetos. Untitled [Sin título] de Peter Fischli y David Weiss presenta los avatares de los artistas, Rat y Bear, en una instalación prácticamente de tamaño real que lleva la pieza al ámbito doméstico con el apoyo de títeres de trapo y mantas apiladas. Con esta pieza, los artistas proponen una transformación al espacio común, creando una revisión de la banalidad cotidiana e intentando una inversión de valores y jerarquías. What-If Could-Be [Y-si Podría-Ser] es parte de la serie knitting pictures [imágenes tejidas] de Rosemarie Trockel. Estas piezas de lana tejida a máquina combinan a propósito la “artesanía femenina” con la “producción masculina a máquina”, por lo que critican irónicamente los roles que las mujeres tienen y han tenido en la sociedad y el arte. Trockel le da la vuelta a los prejuicios incrustados en el material supuestamente doméstico que emplea, casi como si preguntara … ¿"y si" lo artesanal “pudiera ser” más?

“Lo artesanal se está viendo actualmente en un frente mucho más amplio, yendo más allá de las artesanías para abarcar todo tipo de fabricación”. 8 Las formas en que se define o designa lo artesanal no pueden encajar en categorías perfectamente delineadas precisamente porque lo artesanal cambia de modo constante. Se nutre de la historia y es una parte esencial del momento contemporáneo. Lo artesanal es más que sus definiciones a través múltiples registros. Existe como un concepto, un medio, una parte inherente de toda producción artística y un proceso incorporado a la perfección con la creación. Por eso, incluso si el debate arte vs. artesanal continua, la verdad es que “si el arte se ve como un sistema técnico en el que la habilidad nos encanta, [entonces] el término artesanal seguramente es un componente de lo que Alfred Gell llama ‘la tecnología del encantamiento’.” 9 Por lo tanto los artistas que desafían los límites y que involucran en su proceso y producción artística lo artesanal están, en efecto, creando lo contemporáneo.

Texto de Adriana Kuri Alamillo, asistente curatorial.

1 Joyce Lovelace, “Craft: Seriously, What Does the Word Mean?”, American Craft Council, 5 de octubre de 2018, https://craftcouncil.org/magazine/article/craft-seriously-what-does-word-mean (Cita de Fabio Fernández, artista; Ex-Director Ejecutivo, Society of Arts + Crafts, Boston)
2 “Art Term, Craft”, Tate, 7 de abril de 2020, https://www.tate.org.uk/art/art-terms/c/craft
3 “The Arts & Crafts Movement”, The Art Story, The Art Story Foundation, 11 de abril de 2020, https://www.theartstory.org /movement/arts-and-crafts/
4 “Bauhaus”, The Art Story, The Art Story Foundation, 11 de abril de 2020, https://www.theartstory.org/movement/bauhaus/
5 Julia Bryan-Wilson, “Eleven (Contradictory) Propositions in Response to the Question: What is Contemporary Craft?,” en Craft: Documents of Contemporary Art, ed. Tanya Harrod (Cambridge, MA: The MIT Press, 2018), 65.
6 Catalina Lozano, “Santiago Borja – Divan: Free-Floating Attention Piece”, Freud Museum, Freud Museum London, 2010, https://www.freud.org.uk/exhibitions/santiago-borja-divan/
7 Anni Albers, “Tactile Sensibility” en Craft: Documents of Contemporary Art, 27-30.
8 Tanya Harrod, “Introduction // Craft Over and Over Again,” en Craft: Documents of Contemporary Art, 16.
9 Ibidem, 18.
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